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文旅部首发国家级旅游度假区“成绩单” 2019-05-22 11:12:08

随着消费者对旅游的需求越来越多元,景区也快速向度假区升级。5月19日,国家文旅部首次披露了我国国家级旅游度假区的总体情况,并发布了最新一批度假区名单。据统计,去年全年,26家国家级旅游度假区旅游接待总收入达626.86亿元;456家省级旅游度假区旅游接待总收入4878.98亿元。


5月19日是第9个“中国旅游日”,当日,国家文旅部还公布了新一批4家国家级旅游度假区,分别是:四川成都天府青城康养休闲旅游度假区、广西桂林阳朔遇龙河旅游度假区、云南玉溪抚仙湖旅游度假区、广东河源巴伐利亚庄园,至此,我国国家级旅游度假区总数已达30家。


近年来,借助资源环境、设施服务、主题活动、休闲活动空间等,旅游度假区成为越来越多游客休闲旅游的新选择。国家文旅部组建以来,也在发力扩大旅游新供给,加快休闲度假产品的开发,以国家级旅游度假区建设等具体举措来推动旅游业的转型升级和高质量发展。


国家文旅部相关负责人介绍,自国家标准《旅游度假区等级划分》(GB/T26358-2010)发布实施以来,2015、2017年分两批共推出了26家国家级旅游度假区,目前已形成以现有30家国家级旅游度假区为引领、一批省级旅游度假区为支撑、各地各种不同品类度假村为依托的金字塔式发展格局。


统计数据显示,2018年全年,26家国家级旅游度假区旅游接待总人数9667.54万人次,456家省级旅游度假区旅游接待总人数10.84亿人次,这些旅游度假区为满足人民群众日益增长的休闲度假旅游需求,为地方经济社会发展产生不小贡献。


据了解,下一步文化和旅游部将开展国家级旅游度假区的常态化评定以推动加快发展,同时加强动态管理、支持和服务,推动度假区不断提升服务质量,持续提高产业发展水平,以便更好满足消费者的旅游新需求。

文创让生活处处是“诗与远方” 2019-05-22 09:34:06

5月19日,观众在第十二届中国艺术节演艺及文创产品博览会上参观。

上海大剧院打造微缩江南园林,宣传原创昆曲《浮生六记》。

 

第十二届中国艺术节演艺及文创产品博览会5月19日至22日在上海展览中心举办,文创产品首次被纳入中国艺术节的大框架之中,充分展现了文化艺术领域跨界融合的无限可能,也成为上海市民参与中国艺术节的最佳体验之一。


  在705家参展机构中,文创机构达到458家,占总数的65%。文创机构带来的5757种文创产品,涵盖了文博、非遗、演艺衍生品和旅游等多个品类。参观者不仅能购买来自全国各地的文创产品,还能欣赏到24台来自各省份的推介演出,涵盖舞剧、歌剧、戏曲等各艺术门类。各展区还推出了很多非遗工艺展示、互动体验。


  首次亮相第十二届中国艺术节的5家文化和旅游部直属文化文物单位展区,充分利用高墙、宫门、斗拱、屋檐等建筑元素,让参观者感受到传统技艺的魅力。“网红”故宫博物院带来102种、972件近年研发的文创精品和新品,“故宫口红”“神骏水果叉”等爆款限定款产品吸引了不少专业粉丝。


  在国家博物馆展区,说唱俑钢笔、“马头鹿角形金步摇”坚果礼盒等通过IP授权和与国内外知名品牌合作的产品,也很受参观者喜爱。国博文化产业发展中心副总经理陈曦介绍说,2018年国博直接IP授权年收入突破千万元,撬动市场规模突破5亿元。


  广西壮族自治区的文创产品分为“文博纳新”“壮美锦绣”“民族繁花”和“匠心筑梦”四大篇章。其中,广西壮锦山河文化发展有限公司带来了以“壮族花崇拜”为精神内核的米洛甲系列文创产品,围绕壮族传统花卉纹样进行设计开发,曾被提名“2019年环球设计大奖”。马尾绣小方包、花山岩画大方巾等不仅集艺术性与实用性为一体,还透着浓浓的民族风和潮时尚,短短两天,产品几近售罄。


  园林是文化创意不可或缺的一部分。在上海大剧院的展位上,一座用多种绿植打造的微缩江南园林格外引人注目,林中还有精致的茶壶、茶杯和盖碗,环绕园林铺展着宣纸,上书大剧院出品的原创昆曲《浮生六记》的唱词。该项目负责人顾琰介绍,《浮生六记》将于7月上演,他们以该剧为灵感,设计推出了“浮生”系列文创产品莳绘金彩手工盖碗和竹丝扣瓷茶具,在本次博览会上首发。作为国家对外文化贸易基地(上海)授权主题展区的参展机构,上海大剧院有意开发《浮生六记》IP,推出帆布包、马克杯、香盒等剧目周边产品,将昆曲、园林等传统江南文化元素整合推送,融入文创爱好者的日常生活。

从上海到威尼斯:四位艺术家的中国驻地体验和艺术创作 2019-05-21 09:37:10

 

威尼斯双年展上的中国元素,除了中国馆以外,还在另外一个地方能够看到。


那就是位于军械库展区、在主题展和国家馆之间的一个四人联展“Swatch FACES 2019”。参展的四位艺术家皆曾参与斯沃琪和平饭店艺术中心的艺术家驻留项目,在这座位于上海外滩的百年饭店生活、工作。为鼓励艺术家之间的创意交流互动,作为第58届威尼斯国际艺术双年展主要合作伙伴的斯沃琪邀请各国舞蹈家、音乐家、摄影师、电影制作人、作家、画家、概念艺术家等创意人才在此旅居创作三至六个月。


“Swatch FACES 2019”对参展艺术家的选择,不再像2017年该项目所要求的那样局限于强调他们与上海的联系——虽然我们仍能够在部分艺术家的作品中看到某种中国叙事,但此次联展中的作品总体上呈现出更多元丰富的面向,特别是对艺术家在与陌生环境的互动中发展形成的自我意识与思考有了更清晰的指涉,隐约呼应本届双年展的大主题“愿你生活在一个有趣的时代”(May You Live In Interesting Times)。


美国艺术家Tracey Snelling曾在十年前和八年前两次来中国参加过艺术家驻留项目,因此和其他旅居和平饭店艺术中心的外国艺术家相比,她对中国曾经发生过什么、正在发生什么有更浓厚的兴趣。“我觉得中国很有趣,因为在我看来,那么多不同层次的东西在这里同时发生。”



美国艺术家Tracey Snelling

她将自己在上海和重庆观察、参与和记录的事物放入了影像装置作品《上海/重庆/火锅/混音带》。一栋栋微缩小楼嵌入“魔方大厦”,墙面和窗户皆是她在游历过程中捕捉、收集到的图像和录像,反映了她在中国的个人经历(比如她曾与朋友一道喝酒的福州路酒吧、在人民广场附近的一家纹身店)。与此同时,艺术家还悉心收集了一系列充满“当地风味”的物件植入作品中,比如东方明珠塔的微缩模型、青岛啤酒易拉罐、折扇……它们与影像、霓虹灯和大红灯笼一道构成了一幅令人眼花缭乱的图景。


现场有中国观众在窃窃私语,不舒服地抱怨这又是一个外国人拿刻板印象来描述中国的例子——“这是九十年代的中国吧,现在的上海哪有这样的!”我们可以指责这是一个来自发达国家的外来者对处于发展阶段的中国的某种居高临下的凝视和猎奇体验吗?Snelling告诉界面文化(ID:BooksAndFun),她无法声称自己理解中国,但中国城市变化速度之快的确令她对“旧事物”更加敏感:


“我总是觉得过去的事物比新的事物更有趣。和十年前、八年前我看到的上海相比,而今这座城市的改变是如此巨大。但总的来说不仅仅是中国,所有地方的旧事物、有待发展的区域对我来说都更有意思——它们就是对我有更强的视觉冲击力,那里的人也更有趣,所以我会看很多东西。同时我也试图去抓住那些行将消逝的地方,这令我很伤感,比如说十年前我去过重庆的某个地方,我拍摄了视频,也放在了这件作品里,如今那个地方已经不在了。”



Tracey Snelling作品《上海/重庆/火锅/混音带》


在作品中直接展现中国元素的还有龚颖颖。因为在欧洲的求学、生活经历,这位出生于1990年的上海女孩对记忆、身份、符号和语言等话题产生了浓厚的兴趣,也令她反过来以一种全新的眼光审视自己的文化背景。为此,她暂时放下了自己的摄影专业,一心投入文字研究及其视觉呈现中,“文字有很多东西可以研究,图像还是很自我的一种表达方式。文字可以更深入地研究,跟学者有更多的合作机会。”



中国艺术家龚颖颖


在此次展览中,她展出了一块长方形的黑布,布的边缘绣着意义不明的图案,围成了一个圈。据龚颖颖介绍,这件作品的灵感来自“女书”,一种由湖南省南部村落的妇女创造的文字体系,它仅在女性群体中流传,是专供妇女之间交流的私密文字。出于对“女书”的兴趣,她曾在当地做过田野调查。2018年,龚颖颖在和平饭店艺术中心驻留期间发起了一项圆桌刺绣活动,邀请观众刺绣她们自己的女书字符——这些字符是参与者自行创造的,它们的意义或许永远也不会有第二个人知晓,但这一集体创作的过程背后亦是对女性社群和女性联结的肯定与颂扬。


她展出的另外一件作品由四个透镜组成:站在透镜的左边,可以看到四个汉字;站在透镜的右边,则可以看到四个假名。观众从左到右移动,就能看到从汉字到日本假名的“演变”。汉字原本是用来记录汉语的表意文字,但日本人却创造出了使用完全异质的汉字来表述日语的方法,即舍弃汉字原有的意思,成为没有意义的音标文字,即假名。有研究认为,假名是平安时代日本贵族女性根据汉字草书创造的一种简化的书写风格,被用于创作和歌以及女性之间的私密交流。于是,我们看到了两个东亚女性如何在处处受限的父权环境中努力发声、努力反抗的珍贵样本。



龚颖颖作品《演变》

来自韩国的Dorothy M. Yoon则在作品《神奇此刻》(This Moment Is Magic)中融入了强烈的个人色彩。七年前,她被诊断出罹患癌症,化疗缓解了她的病痛,并最终如奇迹般令她痊愈,这段经历构成了她创作这件作品的灵感——七件由韩国传统色构成的条纹娃娃裙是她想象中的“魔法女孩”的战服,能够抵御一切邪恶;她将同时展出的24件刺绣称为“魔棒”(Magic Stick),其中的12件刺绣图案取材自东方的十二生肖,另外12件刺绣图案取材自西方的十二星座。


“我去了医院,及早发现了癌症,如今我已经完全痊愈了,我感觉如获新生。我的艺术改变了我对痛苦的记忆,将之转变为面向未来的幻想和魔法。希望我们生活中的这些魔法瞬间能够永恒,我们都应该吟唱,‘神奇此刻!’”她说。

 


韩国艺术家Dorothy M. Yoon


Dorothy M. Yoon作品《神奇此刻》

西班牙艺术家Santiago Aleman是此次参展的唯一一位男性艺术家,他创作了一件有着现代抽象风格及欧洲文艺复兴时期传统形制的绘画作品《左》(Levo)。这是一幅由14幅小画组成的多屏联画,极简的色块显得冷静自持,艺术家仿佛完全遮蔽了自己的声音与想法,留待观众自行体会。



西班牙艺术家Santiago Aleman及其作品《左》

在被问及如何挑选此次参展的艺术家时,策展人Carlo Giordanetti表示,艺术家本人是否有趣、其作品是否能与其他艺术家的作品产生联系是他的首要考虑:“比如说Dorothy的作品,她使用了很多布料和刺绣工艺,反映了韩国文化。Jessie(龚颖颖)关注的是中国和日本的手作传统。Tracey虽然来自完全不同的文化背景,但她关注上海的生活,呈现了一样非常强调手工的作品,我很喜欢这一点。对我来说它们之间是有联系的。”


“至于Santiago,我喜欢他作品中的颜色和质地,而且你可以看到他是一名画家。在这个数字艺术无处不在的时代——到处都是影像艺术、摄影艺术、生物艺术——我想要展现由人之手创作出来的作品……我认为他们的作品启迪人心、充满力量,让我思绪万千,因此我想要展现给公众。”他说。


与此同时,Giordanetti也认为四位艺术家的作品与本届双年展的大主题“愿你生活在一个有趣的时代”遥相呼应。“我认为大主题非常开放,如果你是一位艺术家,你就是有趣时代的一部分,你本人,就是有趣时代本身。”他说,“这同样也是因为他们的个人故事。Dorothy在治疗过程中找到了内在能量,创造出了一些新的东西,对她来说那就是一段有趣的时光;Tracey观察中国人生活的方式很有趣;Jessie和女人们围着桌子一起工作显然有一个时间的维度,而且那段时光充满了感情;Santiago从天主教堂获取了灵感,在抽象而色彩分明的作品中让人感到飞升进入一个更高的维度,这也是一种回归自己的根并将之转化为一种不同的东西的有趣方式。”


自2011年11月开业以来,该项目已接待了320多位来自世界各地的旅居艺术家。Giordanetti也向界面文化透露了驻地项目的选拔标准:“当我们收到申请时,我们主要看三个方面:你过去做过什么,有过什么成就;你目前在做什么;你为什么想来上海,来上海想做什么。”他笑着表示,他们虽然充分尊重艺术家的意愿,但也不是一个仅仅为了满足艺术家游历陌生国家意愿的“旅行社”。“在有一份申请里,我看到非常美丽的作品,但我发现艺术家表示自己想来上海仅仅是因为他没来过这里。他很诚实,对此我很欣赏,但这对我们来说就不那么有趣了。”


不过,Giordanetti强调了艺术家一旦入选,就会充分享有创作的自由,即使是他们最终完成的作品和在申请材料中描述的完全不一致也没有关系,“他们无需被自己当初写在申请表上的目标所限制,对我们来说,这更多是一种了解艺术家的方式。”


随着这一驻地项目的发展,Giordanetti注意到申请者中出现了越来越多的中国艺术家的身影,入选的中国艺术家不仅成为了其他初来乍到的外国艺术家的“英雄”,帮助他们更快适应陌生的环境,也在这个项目中得到了自我反思、自由创作的难得机会。“我记得有一位中国艺术家特别有趣,他父母在中国,他在美国,但他不想一回国就回家面对父母,他希望先在中国找一个地方适应一下,然后回家,我发现这一点很有趣,因为这是一个家庭问题!对他来说,上海和平饭店是他形成一个新身份的第一步。”


申请艺术家的人数越来越多,其身份背景日益多元,这也拓展了和平饭店艺术中心对“艺术”的定义。Giordanetti发现,许多西方申请者有表演艺术背景,他们对中国的舞蹈和身体行为既好奇又陌生。为此,和平饭店艺术中心将其中一件工作室改造成了舞蹈室,以容纳表演艺术家的加入。


整体而言,外国艺术家在来到上海后或多或少都会经历某种文化冲击——这座紧张剧烈、节奏感飞快的城市甚至会给部分艺术家带来类似瘫痪的强烈感受。“如果你来自纽约,只要你习惯了这里的语言,那你就会感觉还好;但如果你来自一个小城市,特别是来自行事风格更缓慢的拉丁美洲国家,这里的生活会令你震惊。”尽管如此,Giordanetti认为上海经历对艺术家来说是一种难得的体验,特别是当地丰富的材料——布料、塑料、陶瓷等等——能够给予艺术家无尽的灵感。“很多艺术家在这里获取灵感,然后创作出了全新的作品。”


在该项目之外,斯沃琪还在英国艺术家Joe Tilson90岁生日及艺术创作历时70周年之际邀请他在绿园城堡展区的户外区域创作装置艺术作品《THE FLAGS》。这件装置由Tilson的作品《威尼斯之石》(The Stones of Venice)中的三幅放大组成。Tilson曾于1964年代表英国参加第32届威尼斯双年展,从1949年起,他就经常旅居威尼斯。在《威尼斯之石》中,他描绘了自己钟爱的威尼斯教堂外墙、石板上的几何图案和铭文手迹,色彩明快并带有历史沧桑感的斑驳笔触。



英国艺术家Joe Tilson创作的装置作品《THE FLAGS》

艺术金融需“破”与“立” 2019-05-20 09:19:14

日前,由山东省潍坊市委宣传部、山东财经大学、潍坊银行主办的“第五届(2019)中国艺术金融年会”举行。本次会议以“新时期中国艺术金融发展的前沿趋势”为主题,邀请200余位专家学者就艺术金融的发展历程、创新变革、面临问题进行深入研讨。


  银行业:进行艺术金融创新早


  艺术市场的金融化发源于20世纪的欧美,到上世纪90年代,摩根大通、瑞士联合信贷、德意志银行等开展艺术金融业务并举世闻名,他们先后针对所谓高技术人才的客户群,设立专门的艺术顾问,专门提供艺术金融服务,包括购买建议、指导、策展、保管协助、艺术贷款、社交特权等。另外,他们也为客户提供艺术鉴赏、收藏规划、投资咨询、艺术沙龙等非金融性服务。


  我国金融机构尤其是商业银行,也开始借鉴学习发达国家的一些做法,对客户进行财富管理。


  在艺术品理财方面,民生银行在2007年就带了个头。其发行的“非凡理财”一号产品是国内较早参与艺术品市场交易的资产管理产品,当时较受欢迎。


  招商银行在10年前推出了私人银行艺术鉴赏计划,在艺术品鉴赏方面做出了尝试。


  也是在大约10年前,艺术品抵押贷款开始进入公众视野,当时共有10家法定金融机构在跟进。


  山东潍坊银行是其中较早也是至今仍活跃在艺术

金融领域的银行,在产品创新和艺术品鉴定、评估、交易变现几方面,潍坊银行力图建立一种机制,通过联合银行、博物馆、拍卖公司、艺术顾问机构等建立金融委员会,形成多方联动。


  潍坊银行股份有限公司党委书记、董事长郭虎英介绍,潍坊银行近年来成立文化金融事业部,在文化金融方面已经形成包括艺术品融资、仓储、策展与艺术家推荐等在内的相对完整的艺术金融服务链条,并于2015年联合潍坊市委宣传部、山东财经大学共同主办首届“中国艺术金融年会”并持续至今,该活动成为了解中国乃至全球艺术金融市场发展的重要窗口。


  针对目前艺术品评估鉴定的短板,如缺乏法律认可、具有公信力的第三方艺术品评估鉴定机构,难以对艺术品进行合理估价等问题,潍坊银行推出的“预收购人机制”在业内堪称创新——他们的预收购人实行准入制,由驰骋于艺术品市场的资深藏家和艺术品经营机构组成,在艺术品质押融资贷款中承担着3项重要职责,即鉴定、评估和担保。依据预收购人对质押艺术品出具的价值评估、鉴定报告,结合艺术品当前市场流通价格,潍坊银行按照不高于50%的折扣率给予其资金支持。


  工商银行也在推进艺术投资、艺术基金、艺术教育和艺术平台4个方面的金融服务。这些年,他们努力创新艺术品投资品种,也通过开展艺术投资沙龙、艺术品鉴赏等形式,潜移默化地进行“金融+艺术”的跨界融合。工商银行的信用卡持卡人高达数亿,面对这个能将艺术性和传播性完美兼容的平台,2018年工商银行和清华大学一起联合设计甲骨文的生肖信用卡,将生肖拓出的具象之美和甲骨文蕴含的艺术几何之美天然融合,不到1年时间就发行了100多万张。今年初,他们再接再厉,和故宫博物院正式推出了第一款带故宫博物院Logo的故宫联名信用卡,首套主打3枚故宫玉玺,充分运用瓷器蓝和故宫红等故宫元素,3个月就发行了几十万张。


  产业界:各环节创新不断


  除了资金领域,国内艺术金融在产学研等支撑体系上也发生着日新月异的变化。


  山东财经大学副校长张书学介绍,他们较早从艺术金融人才培养切入,推进艺术金融的发展。山东财经大学作为财政部、教育部和山东省人民政府共建的高校,将继续发展文化艺术类学科特色。目前学校初步形成了“艺术+财经”的专业特色品牌,包括从本科到硕士、博士这样一个完整的培养体系。


  细数当下艺术金融的业态创新,大多都和新技术撇不开关系。数字艺术产业、艺术文化旅游、艺术资产理财等新业态需要互联网的支撑,区块链技术运用于艺术品,艺术品鉴证系统为艺术品建立“身份证”,AI全息投影技术等都让艺术品行业“脑洞大开”。


  2017年10月,国务院办公厅印发《关于积极推进供应链创新与应用的指导意见》。今年3月,国家互联网信息办公室正式发布第一批共197个境内区块链信息服务名称及备案编号。四川的区块链联盟服务平台也得到了认定,正在积极探索知识产权的溯源认证等业务。西南财经大学校长卓志一直关注现代金融科技怎么助力艺术金融的问题。他说,区块链在理论上完全可以应用于艺术品的流通、艺术金融的发展。一方面,可以通过区块链建立艺术品的“数字身份证”,包括所有人的展览记录、出版记录、彼此交易记录、存放地点记录等。第二,可以将艺术品的动态信息在区块链上进行更新。第三,可以多点进行维护。艺术品的创作人、展览人、出版人、交易机构、金融机构等,都可作为一个公众去维护该艺术品公链,成为节点的参与者。


  面临难题:如何开山过河


  艺术品投资市场发展至今,仍然面临着巨大的瓶颈,具体表现为:虽然艺术品金融的投资回报比较高,但艺术品的流动性较低;其次,艺术品为非标准化产品;再者,艺术品真伪鉴定、所有权确权、价格评估、保存条件、运输环境等基础条件也极为不足。


  中国工商银行原行长杨凯生谈到,目前我国商业银行参与艺术品市场仍然面对一些困难,商业银行真正介入艺术金融的深度是不够的,服务能力也不强。可说,金融与艺术相互赋能、相互促进的时代还没有到来。


  据统计分析,2018年,中国传统金融机构参与艺术金融交易的规模占中国艺术品交易总规模不足25%,并且该比例近年来一直下降。杨凯生说,究其原因,一是市场的自身服务能力不足,如产业链各环节的薄弱和一些体制、支撑体系的缺失;二是银行对艺术品的积极性不足,银行对质押物的偏好以及有实力为艺术品质押贷款做担保的公司不多,都限制了艺术金融的发展。第三,对人民群众的艺术教育不够,民众没有足够能力去辨别艺术品的真伪以及判断艺术品的实际价值。


  中国艺术经济研究院院长西沐谈及新时期中国艺术金融发展的趋势时表示,金融业与艺术品市场都已进入转型期。一方面,2017年,中国拍卖市场的总成交额就和中国艺术金融产业的总规模持平了;另一方面,金融市场竞争越来越充分,金融竞争的加剧使得差异化策略成为不可回避的选择。新技术的进步也将对艺术金融的创新发展形成推动,消费结构的快速转型使文化艺术消费迅速崛起,与此相对应的金融服务也必然进一步拓展,金融体系未来也将发生以投资和财富管理为主的转变。资产化是艺术金融发展的核心,金融化是重点。艺术金融正从重融资、重收益向重服务转变,从项目、产品向平台支撑、服务转变,从基于产品过程向基于产业链全程服务转变,实现产业链架构转变。


  但西沐也谈到,中国艺术品市场仍面临四大问题或说四大突破方向,即诚信机制、定价机制、运输机制、服务支撑体系的确立和完善。


  台湾艺术银行原执行长张正霖介绍了国内外艺术企业结合运用金融力量的情况。他说,每年的欧洲艺术与古董博览会都会发布全球艺术品市场报告。近年来该报告数据显示,中国从拍卖来说是增量市场最大的一个国家,但在流通变现环节的成交率是最低的,中国市场的成交率只有32%左右,而西方特别是美国市场的成交率高达65%到75%,这意味着美国市场中艺术品的资产流动性远比国内高。流动性不足加上风险高,制约着中国艺术金融的创新发展。


  但欣喜的是,资产管理机构正在我国蓬勃发展,包括基金会、企业美术馆、商业机构参与投资、艺术地产、艺术保税库跟艺术银行等各种类型。

莫让碎片化阅读剥夺了你的思考 2019-05-17 13:25:25

兴致勃勃从图书馆借的书,续了1个月,不知不觉又将到期。2个月时间,笔者竟读不完一本才200页的纸质图书,阅读时间都去哪儿了?用手机看爆款微信公号文章、刷微博热搜新闻、在读书APP看小说、用听书软件听故事……这样看来,时间没增没减,全被手机占了。近日发布的第16次全国国民阅读调查显示,2018年中国成年国民超过半数倾向于数字化阅读方式,倾向手机阅读的读者比例上升明显;成年国民网上活动中,以阅读新闻、社交和观看视频为主,娱乐化和碎片化特征明显,深度图书阅读行为的占比偏低。如今,读屏阅读正成为主流。


  数字阅读固然重要,但长期手机刷屏阅读带来的问题也不少。首先,碎片化阅读有隐患。何谓碎片化阅读?主要是指基于类似电子书、手机和网络等新型阅读媒介进行的不完整、断断续续的阅读方式。阅读的内容为零散、短小的片断式文字,或者长的内容被拆散成不同的碎片,通过零碎时间进行“见缝插针”式阅读。点开手机里的信息,很多人没有了阅读的耐心,要么是“一目十行”,要么就是“点开不到一分钟”就完成了阅读。表面上看,碎片化阅读是对时间的最大化利用,但实际上这种阅读行为和传统的深度阅读行为相比,对于所阅读作品的消化理解以及人们阅读习惯的养成都有不良影响。其次,“低质量”阅读大行其道。当然,这不能一概而论,但就目前市面上电子阅读产品提供的一些内容而言,大部分质量参差不齐,更有不少文章错字连篇、病句不断,甚至还有低俗的内容。


  阅读是自由的,无论用哪种媒介,只要能汲取养分、引发思考,都值得推崇。数字阅读本身延展了人们阅读的能力,但“浅层次阅读”却需警惕。首先,全社会要大力提倡深度阅读,督促网络平台提供优质的精神食粮,严厉打击“流量创作”;其次,对管理部门而言,需尽快完善网络出版规定,要像管理纸质出版物一样管理网络内容;第三,政府要利用好数字化的媒体和工具,打通数字阅读与纸质阅读的障碍,引导人们深度阅读。


  笔者认为,阅读之后能提出问题,形成自己的思考和结论,就算得上是深度阅读。网上冲浪休闲无可厚非,但别让泛娱乐化的信息消耗了过多的时间和精力,哪怕用手机阅读取得一点收获,能引发思考、引起兴趣,也是有价值的。当然,阅读本是一件有意义的事,别光图轻快只读短文,也要能“啃”大部头,反复品读经典。

VR崛起与知觉艺术:20年后的电影会是什么样? 2019-05-16 15:43:04

几十年来,总有人预言说虚拟现实(VR)是电影制作的未来。相比于传统电影,VR电影能给观众提供无尽的沉浸式体验。电影制作人莫顿·海利希(Morton Heilig)在他1955年的文章《未来电影院》(The Cinema of the Future)中预测说,未来的电影制作将有惊人的发展,“能够展现全新的科学世界,让人们沉浸在全感官的活力和自己意识的律动中。” 海利希在文章中还点出了虚拟现实的种种属性,只不过没有直接说出这个词,因为当时还没人造出这个术语。


到了今天,就如老话说的那样,未来已经降临。虽然说要达到《割草者》和《星际迷航》的那种程度,到处充满令人费解的科技,电影制作还有很长的路要走,但已经有越来越多的电影制作人放弃了传统相机,转而以360度全景相机代替。这样看来,当下的这个时代和19世纪晚期到20世纪初那电影行业最创新最有实验性的几年有得一拼。

简而言之,我们正站在一场新电影制作革命的入口。一系列飞速发展的技术为电影的未来注入了激动人心的潜力——比如说增强现实(AR)、人工智能(AI)技术,同时,随着电脑的不断改进,数码世界也变得越来越精细。


20年后,电影会变成什么样子?未来的电影故事与今天相比,又会有怎样的不同体验?


个性化


VR元老、电子艺术家克里斯·米尔克(Chris Milk)认为,未来的电影能为观众提供量身打造的沉浸式体验,能够“实时创造一个故事,专属于你,独一无二,完全贴合你的喜好”。


比起“讲故事”(storytelling)这样的标准化术语,米尔克更喜欢用“生活在故事里”(story living)这样的词。他相信观影体验会不断进化,“感觉就像现实生活中的一天一样自然,同时又具有我们所习惯的离奇影视故事中那些令人讶异的元素。”



沉浸式艺术家克里斯·米尔克认为,未来会出现专为个人打造的一次性电影。图片来源:Getty Images

2015年,米尔克的一段关于虚拟现实艺术潜力的演讲有着分水岭的意义。他认为,人们在人工智能领域的进步让电脑创建的角色得以实时响应受众。试想,我们将会看到一个先进许多倍的Siri,不同点就在于它处在一个故事体验中,作为一个人物角色呈现出来。


米尔克承认,“这种技术尚未完全开发出来”,AI创造的角色还不能“像人类一样,对话式地对你作出回应,”但他也补充说,“不过距离成真也不远了,20年绰绰有余。”


立体化


著名记者、纪录片制片人兼企业家,曾被《华尔街日报》奉为“虚拟现实教母”的诺妮·德拉佩纳(Nonny de la Pena)曾经说,提到未来的媒体,她首先联想到的就是“立体化”(Volumetric),这个概念与今天二维的屏幕形成鲜明对比。



2012年圣丹斯电影节上的“虚拟现实教母”诺妮·德拉佩纳。图片来源:Getty Images

照诺妮·德拉佩纳看来,到了未来,“平面媒体仍然会与我们相伴,和今天收音机依然在我们身边是一个道理。但电影就不可能继续只停留在平面状态了。”


相反,我们将拥有“充分呈现、灵活走动、有房间规模的立体化的体验”,因为“我们将要迎来年轻一代观众,他们在沉浸式体验中成长……他们会希望自己的视角、教育和其他的一切能以具象化的形式表达出来”。


现实世界的虚拟副本


尤金·钟(Eugene Chung)执导了广受好评的VR电影《艾露美》,被业界称为“杰作”,甚至被拿来和美国电影制作先驱大卫·格里菲斯(DW Griffith)相提并论。这个故事将场景设置在一个漂浮在云中的未来城市,运用一种叫作“六度自由”(six degrees of freedom)的科技,让观众能亲身体验,在电影的世界中自由走动。


尤金·钟认为,未来的虚拟现实会与“AR云”(AR Cloud)结合得越来越紧密,而后者正是现实世界的一个数码复刻。



尤金·钟在2016年的纽约翠贝卡影展上台讲话。这位制作人的VR电影《艾露美》被誉为“大师级作品”。图片来源:Getty Images。

“试想一个超荷运作版本的谷歌地图,”他继续说,“在这个语境下,你不仅仅是再现每一条街道,更是复制了整个地球。我们会将其与今天已经发展惊人的高端虚拟现实科技结合起来。”


尤金·钟认为,未来会出现“百分百围着你转的故事”。举个例子,“当你醒来,床边可能会摆着一张桌子,你可以把自己喜欢的人物角色放上去。现在已经有些电影对此跃跃欲试了,比如说《她》这部片子。”


知觉的艺术


艾美奖获奖者、虚拟现实电影《碰撞》和《阿瓦维娜》的导演丽奈特·沃尔沃思(Lynette Wallworth)表示,通过VR的手段讲述未来体验。能让我们探索自己神经的多样性。


“比方说,通过虚拟现实,我们就能够体验患有自闭症的人感受到的世界时什么样的,”沃尔沃思说,“各种不同程度的差异都能在虚拟现实的各种感受中呈现出来,而这是其他艺术方式无法实现的。”


同时,沃尔沃思也描绘了这样一幅图景,虚拟现实和增强现实将扩展传统电影的版图,通过耳机和眼镜,让观众在观影和沉浸式体验中自如切换。



在2016年“与丽奈特·沃尔沃思共度的夜晚”活动上,观众们戴上VR眼镜开始体验。图片来源:Getty Images

“你可以想象一下用这种技术观看乔治·米勒的《疯狂的麦克斯:狂暴之路》,”她说,“比如说你现在正戴着眼镜和耳机看传统电影,然后随时能够通过这套设备调整模式,掉到费罗莎的卡车里,坐在她身边,全速冲进沙漠里,一路狂奔。”


随着虚拟现实快速发展,借用一句陈词滥调,未来的可能是无限的。2016年,史蒂芬·斯皮尔伯格就给电影制作人提了个醒,他用“危险”这个词来形容虚拟现实,因为和非互动式的体验相比,在VR这个领域,电影制作人能掌控的东西更少了。虚拟领域“让观众有了更大的自由,不再被讲故事的人牵着鼻子走,而是做出自己的选择”。


观众能够参与塑造自己所经历的故事,许多人认为这样的未来积极的一面大于其消极元素。观众自己选择,这一点和当年海利希的预言两相契合——“未来的电影将不再是视觉艺术,而是知觉艺术,”也许这种差异就存在于“讲故事”和“生活在故事里”之间。

中国画不科学?林凤生:在技法上跟神经科学、脑科学和光学不谋而合 2019-05-15 09:33:30

为什么印象派的画有立体感和运动感?因为画家们懂得利用人体的视觉系统。为什么凡·高画作如此明亮?秘密在于他的涂色方法“固体混色”。立体主义绘画与自然科学发展有无关系?这可能与当时的流行词汇“四维空间”有关。在这本入选了“2018中国好书”的《名画在左 科学在右》一书中,上海大学退休教授林凤生用科学知识来解读名画,将物理、化学甚至神经学知识与艺术史巧妙联系了起来。


在思南读书会日前举办的一场分享活动中,林凤生讲述了自己创作此书的原因。他发现,近些年人文科学和自然科学之间的鸿沟日益加深,文科的学生认为理工科很古怪,理工科的学生即使对文学有兴趣也不知从何入手,但他认为两者之间是可以沟通的。林凤生长期从事物理教学和科学期刊编辑工作,中学时曾师从丰子恺、唐云等人学习绘画,退休后便想要以写作的方式搭建艺术与科学之间的桥梁。他说,图像对于解释科学来说是重要的,而科学也可以为图像创造出新的解读维度,“我看一些古书,讲问题讲不清,关键是没图,像《墨经》讲几何光学,一幅图都没有,要看懂就很难。 第二,古书上即使有图,搞自然科学的人、搞技术的人的解读和画家也不一样。”


搞自然科学的人做出的解读与画家的解读具体而言有何不同呢?在活动中,林凤生从名画《清明上河图》中的桥的力学结构开始讲起,“一般人看到这座桥,最多是觉得它很坚固。而从力学角度看会发现,这座桥是不对称的,它一边高一边低,从南岸去有三阶,到北岸下去只有两阶。为什么是这样的呢?”他紧接着揭秘道,“因为这条汴河是人工河,开河的时候这里是个拐弯,一般来说内道水流比较慢,外道水流比较快,把南边冲刷得非常干净坚韧,桥的根基打在这里没问题,但北岸多是淤泥,这怎么办呢?中国古代工匠很聪明,他们不去铲这个淤泥,而是把桥桩一直打下去,打到坚硬的地方为止。”

《清明上河图》北宋 张择端

林凤生还以《神仙图卷》为例,讲到了向来不被认为“科学”的中国画里存在的科学问题。“好多人说中国画没什么科学,中国画跟解剖和透视技术都没关系,而我认为中国画在技法上跟神经科学、脑科学和光学有不谋而合之处。”他说,“我们仔细看(《神仙图卷》中)交界的地方,会发现上面有两根线——在比较明亮的交界处有一根更加明亮的线,在比较暗的这块上有一条更加暗的线,这在物理上的定律就叫马赫带。”(记者注:马赫带是奥地利物理学家E. 马赫发现的一种明度对比的视觉效应,指的是一种主观的边缘对比效应,当观察两块亮度不同的区域时,边界处亮度对比加强,使轮廓表现得特别明显。)林凤生回忆说,“一个神经科学家也跟我讲到这一点,他说轮廓线恰好是视觉信息最丰富的地方,所以中国画和马赫带不谋而合。而再进一步去思索为什么会有马赫带,这就不只是光学要回答的问题了,而是神经科学需要回答的问题。”

《神仙图卷》唐 吴道子

林凤生表示,在写这本书之时,他注意兼顾科普读物通俗易懂的写法,而不仅仅是照搬理科教科书。比方说,他是这么解释印象派画作的立体感与运动感的:文艺复兴以来,西方画家在二维平面上表现三维空间主要依赖的是透视法的原理——也就是近大远小、两条平行线看起来会互相靠近并最后汇聚为一点,林凤生说,透视法主要靠的是单眼视觉,在视觉神经科学上被称为单眼线索,而印象派画家所利用的是双眼视差,双眼视差就是人在观察近处物体时两只眼睛会产生视差,形成一对稍有差别的图像,而大脑会融合这两个有差异的图像形成一个三维立体的图像,还能确定物体距离观察者的距离。以莫奈的画作《透过树丛的春色》为例,大批树叶朝着一个方向,形状大同小异,形成了相似的视觉元素,在观看者视网膜上形成的像,经过大脑融合后产生了朦朦胧胧、层次丰富的视觉效果。

《通过树丛的春色》莫奈

至于运动感,他说,人的视觉系统是通过两条平行通道来传递视觉信息的:一条是什么(what)通路,负责色彩信息通过视神经传送到大脑视皮层的中脑区(midbrain);另一条是何处(where)通路,主要把空间、位置、运动等信息通过视神经传递给大脑视皮层的高级区域(higher vision areas)——大脑将两者融合起来,就形成了完整的视知觉。以莫奈的名画《亚嘉杜的罂粟花田》为例,由于绿叶、红花的色彩两度处于平衡状态,何处(where)通路神经细胞不作为,花朵的位置就显得模糊不清。“倘若观者定神端详一会儿,还会觉得好像有一阵微微的风吹过,花朵有了一丝颤动。这是因为观者的眼球在不断地运动,视网膜上的影像在不断地运动所产生的效果。”他在书中写道。

《亚嘉杜的罂粟花田》莫奈

他对于凡·高为何偏好明亮色彩的解释,也颇值得一读。林凤生认为,凡·高的画之所以那么色彩明亮,是因为他在混色的时候没有将两种颜色混合起来,而是直接将明亮的原色涂在了彼此相邻的位置上。在物理学上,反射光的间接混色是一种减法混色,不同的颜色会越混越暗,“当画家把红、蓝两种颜料涂抹在画板上混合时,观者视网膜接收到的是反射光,原来被红色微粒反射的红色光又被蓝色微粒吸收了一部分,同样蓝色光也被红色微粒吸收了一部分……油漆匠用不同颜色的涂料重复涂抹墙面时会发现色泽越来越暗,就是这个道理。”他也提出,凡·高之所以后来在精神上出了问题,可能与来到阿尔之后使用大量毒性很强的有机合成颜料进行创作有关,比如铬黄,“(它)是用硝酸铅与铬酸钾按照不同的比例配制而成,比以往任何颜料都更闪亮夺目。”他的名作《向日葵》也使用了这种颜料,但铬黄暴露在光线中很容易变化褪色,所以《向日葵》近些年也出现了变黑褪色的情况

《向日葵》凡·高

在活动现场,上海大学美术学院教授潘耀昌也从美术史的角度,讲述了美术与科学尤其是绘画与人体解剖学之间的紧密联系。他说,现在美术学院的学生在写论文时,往往会从社会学、历史学等领域的文献里找资料解释一些绘画现象,很少有学生能够从自然科学的角度去找问题。


“我记得19世纪罗丹创作了一个青年男子人体雕塑叫做《青铜时代》,当时评论界非常怀疑罗丹不是自己创造出来的,而是从活人身上翻出来的一个模子,结果证明罗丹对人体解剖结构了解得非常到位,他自己就可以创造出这样的塑像。罗丹学的传统其实就是文艺复兴,而文艺复兴的传统追溯到更早就是西方的模仿论。”潘耀昌说,“文艺复兴时代人们为了追求这个‘像 ’达到什么样的程度呢?米开朗基罗的素描非常出名,他在美术学院教授素描课,而他素描的基础就是对人体解剖的认识。当时的美术学院要求每位美术导师每年都要到医院里面学习一段时间人体解剖,所以米开朗基罗后来就成为了讲人体解剖的导师,他能够对人体的每一块肌肉、每一块骨骼做出详细的讲解。文艺复兴时代,哪怕是二流的雕塑家,也能够把人体雕塑的每一个细部做得非常好,从一个塑像的脚趾头你就能辨别出这雕的是活人还是死人——因为活的人血管是弹出来的,而死的人血管凹进去的、看不见的。”

 

《名画在左 科学在右》

林凤生 著

上海科技教育出版社 2018年8月